LA FAMILIA DE CUERDAS. Entrenamiento auditivo.

Rango:

VIOLÍN.

VIOLA.

CIOLONCHELLO

CONTRABAJO

Técnicas: 
Vibrato: Se ejecuta cuando el intérprete hace un movimiento ocilatorio en su mano izquiera. 
Sordina:  (en italiano, «con sordina») indica el empleo de la sordina, que es una pequeña grapa que se coloca encima o sobre el puente para impedir la total resonancia del cuerpo del instrumento. De esta forma se enmudece o se apaga la intensidad del sonido producido.
Nota blanca: Sin vibrato. 
Dobles y triples cuerdas: Se tocan con el arco dos cuerdas simultáneamente. 
Pizzicato: Se "piellizcan" las cuerdas con las yemas de los dedos. 
Armónicos: Que se produce al tocar suavemente la cuerda, en lugar de pisarla.
Trino: es un adorno musical que consiste en una rápida alternancia entre dos notasadyacentes, por lo general a un semitono o un tono de distancia, que puede ser identificado por el contexto del trino.
Tremolo: (en italiano, «temblor») se indica trazando unas líneas a través de la plica de una nota y es el signo empleado para indicar la ejecución de una sola nota, rozando el arco rápidamente.
Divisi: Se dividen las partes con otro interprete 

Movimientos del arco
-Ligatto Es cuando escuchamos más de una nota en una sola arqueada. Las notas se conectan entre si de manera uniforme.
-Stacatto: Es una serie de arqueadas con golpes repetidos (Martelés). Se intenta que el arco rebote de forma controlada. 
-Spiccato: Es el rebote controlado del arco, se toca las notas nitidas y breves. 

EL RONDÓ

 Rondo" (círculo) se asigna a las formas, donde el tema principal de numerosos alternan con episodios. En contraste con la forma de dos partes, en tres partes, tres - Cinco parte, Rondo para la definición de función no es ni el número total de partes, ni su estructura interna. Muestra de ello es la ubicación de las piezas, su normativa específica. La mayoría brevemente el principio de Rondo puede ser caracterizado como sigue: la alternancia diferente de la misma. Desde aquí De ello se desprende que las partes que se encuentran entre los hilos de explotación, que cada vez otra. De esto se deduce también que Rondo en su forma normativa contiene doble contraste. 

Los conceptos y diferente constante deben ser tratados de forma flexible en dependiendo de la naturaleza general de la obra, a partir de las características del estilo. El hecho de que en algunos casos deben considerarse como" diferente", en otros casos, lleva a cabo función es básicamente sin cambios, pero sometido a un mayor o menor modificación.

Al igual que otras formas repriznym, Rondo se crea mediante la reacción dos principios que dan forma - varias veces y contraste. Pero, a diferencia de estas formas, ambos principios son válidos repetidamente. Por lo tanto, desde el punto de vista de principios generales Rondo deben definirse como una serie de contrastes, siempre que se puede cerrar de nuevo, o, por el contrario, ya que la recuperación múltiple equilibrio puntuado. Fue a partir de aquí viene la capacidad de definir Rondo como una forma, donde el tema principal se ejecuta al menos tres veces.

Rondó in G Major- Ludwig Van Beethoven. 

Presenta el tema A, que es el colorido y se puede decir fácilmente reconocible, después pasa a una especie de variación, que creo que puede ser la parte B, circula sobre más o menos una misma idea melódica y da levemente la idea de que aun estuviera en la parte A, pero no es así, va creando tensión poco a poco hasta que llega a la parte en la que vuelve la parte A, y se siente el cambio ya no gradualmente. 

Hay una parte C que es muy breve, y vuelve a la parte A. Que termina distinto para ir a la parte D, que es más lenta, y extensa, la más extensa de todas. Termina con tensión, pero no con el tema A completo. Si no con una pequeña coda. 

En general, creo que haciendo Referencia a la idea de "círculo", siempre parece que volverá al principio, es como si te diera pistas pequeñas de que iremos al principio, pero esto no ocurre y te lleva a otra parte, que siempre circula sobre el tema principal. 

SIMBOLISMO BARROCO

La posición de manos de la mujer en el nivel más alto, transmite o plasma que está declarando algo con mucha euforia, o con mucho énfasis.

La posición de la cabeza y de su mano de la mujer que está a continuación de ella, nos dice que la mujer llora.

Los rostros que se alcanzan a percibir son rostros de tristeza, o vulnerabilidad.

En ésta pintura el ángel le indica al hombre que se detenga, la mano de arriba apuntando significa "indicar" y la manera en que le sujeta la mano, con su otra mano, es seña de impedimento.

Las manos de los personajes de ésta pintura, por separado significan "convocar" debe tener alguna relación entre ellos, la cuál no encontré.

 En ésta pintura hay demasiados rasgos, personajes con las manos en el rostro como simbolo de que lloran o tristeza, una persona sobre su rodilla implorando. La mano del hombre como señalando es demostrar que ya no hay nada o algo parecido. Las manos del niño podrían ser de admiración, tal vez por asombro. 

LA ORQUESTA CLÁSICA. 

La palabra orquesta procede de orchestra y significa lugar para danzar. Se trata de un conjunto de instrumentistas e instrumentos que ejecutan una obra musical.

En el periodo clásico, en el siglo XVIII se empieza a estandarizar la orquesta paulatinamente se van anotando los instrumentos explícitamente en la partitura, evitando así los anteriores accidentes de las épocas anteriores. 
1750 - 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica. 

Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. 
Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por la utilización de unos recursos, como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros de este grupo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los motivos musicales básicos del material sinfónico.

La orquesta clásica hizo cambios para poder expresar las nuevas formas, el sonido del clave desaparece, pero no de la noche a la mañana, había orquestas que lo utilizaron aun muchos años despues, inclusive el compositor actuaba como director desde el mismo.El clave se sobreentendía en la ejecución de la música sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas. El compositor actuaba como director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. 

Aparecen dos nuevos instrumentos que son la trompa y el clarinete y otro instrumento de tecla que es el piano. En esta orquesta se amplia en la familia de cuerda:10 violines primeros, 10 segundos, 8 violas, 6 violonchelos y 4 contrabajos, los demás instrumentos son los mismos que en el Barroco, pero se añaden los 2 clarinetes y las 2 trompas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto, tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un principio.

FIDELIO 

Beethoven 

Beethoven marcó el final del clasicismo y el principio del romanticismo. Con esta obra no podemos mencionar nuevos elementos característicos del tiempo, pero con Beethoven sabemos que encontraremos cosas realmente sorprendentes. 

Hubo tres versiones de esta obra: 
-Leonore en 1805 en Theather an der Wien. Consistía en tres actos. Libreto de Josef Sonnleithner y Stephan Von Breuning. 

-Leonore, order Der Triumph der echelichen Liebe (Leonore, o el triunfo del amor conyugal) 1806, Theather an der Wien. Dos actos.  Libreto de Josef Sonnleithner y Stephan Von Breuning. 

-Fidelio. La versión definitiva y que conocemos, en 1814, Thather an der Kârntnertor. Georg Friedrich Treitske. 

La obra está escrita en alemán y todos los libretos inspirados en J.N. Bouilly. 

Fidelio

 Soprano dramática con gran fortaleza vocal. Debe alcanzar un Si4

 Personaje interpretado por Leonore, disfrazada de muchacho

Florestan

 Tenor dramático. Debe alcanzar un Sib3

 Esposo de Leonore encerrado en la prisión

Don Pizarro

 Bajo-barítono, con timbre oscuro y tétrico. Debe alcanzar Fa3

 Director de la prisión

Rocco

 Bajo

 Padre de Mercelline. Carcelero

Marcelline

 Soprano lírica. Debe alcanzar un Sib4 en la región aguda

 Enamorade de Fidelio

Jaquino

 Tenor lírico-ligero

 Carcelero enamorado de Marcelline

Don Fernando

 Bajo o Barítono

 Ministro de justicia. Papel menor

Primer prisionero

 Tenor

 Papel menor

Segundo prisionero

 Bajo

 Papel menor

Coro

 Gran importancia

Prisión cerca de Sevilla, Finales del siglo XVIII. 

La obra trata sobre Florestan que está siendo aprisionado por una injusticia. Y su esposa Leonore quiere conseguir que salga o al menos llevarle consuelo. Entonces se difraza de un joven y se hace llamar Fidelio, entra a trabajar a la casa de Rocco un carcelero. Rocco tiene una hija llamada Marcelline que se enamora de Fidelio y rompe su compromiso con Jaquino 

Don Pizarro el que tiene encerrado injustamente a Florestan, no se atreve a matarlo pero lo va debilitando poco a poco. Él desea esto ya que Florestan es su enemigo político. 

Acto I:

Maezelline canta contenta porque está enamorada de Fidelio, circunstancia que mueve los celos de Jaquino.  Entra Fidelio con unas cadenas compradas a buen precio, lo que confirma a Rocco que quiere a Fidelio como yerno. Ambos personajes hablan y de esta manera Fidelio se entera de que hay calabozos profundos en donde a un prisionero cada día se le da menos alimentos. Fidelio quiere hacer todo lo posible por entrar en esos calabozos.  

 Entra don Pizarro, lee una carta en donde se le dice que su prisión recibirá una visita sorpresa a modo de inspección. Por tal motivo decide matar de una vez por todas al prisionero Florestan. Rocco se niega a hacerlo, con lo que Pizarro intentará hacerlo él mismo, pero Rocco y un ayudante habrán de cavar la tumba en los sótanos de la cárcel.

 Fidelio y Marzelline convencen a Rocco de que deje salir al patio para ver la luz, los presos, algunos de ellos que llevan años sin ver la luz del sol, se emocionan. A la llegada de Pizarro, vuelven tristemente a las celdas.

Acto II

Rocco y Fidelio bajan a las mazmorras a cavar la tumba. (Figura nº 5) Florestan cree ver a su mujer en forma de ángel, pero se desvanece por la debilidad. Fidelio se acerca y le da vino y pan, reconociendo en el acto que es su amado.

Entra Don Pizarro con la intención de matar al prisionero, no obstante, Fidelio muestra su verdadera identidad y obliga mediante una pistola a desistir por parte de Don Pizarro.

 Las trompetas suenan anunciando la llegada del ministro, por lo que Don Pizarro y Rocco han de salir a recibirlo.

 Florestan y Leonora se abrazan.

Acto III

 La pareja sale al patio en mitad de los prisioneros.

 Don Fernando el ministro, manda encarcelar a Don Pizarro y liberar a Florestan. Todos alaban el valor y el arrojo de la mujer y celebran el triunfo de la justicia.

BODAS DE FÍGARO 

Por Mozart, neoclasicismo, Libreto de Lorenzo D'a Ponte  
Conjunción de texto y música.
Era una Trilogía 
-Barberos de Sevilla
-Bodas de Fígaro 
-La madre Culpable

Teatro Imperial en Vienna, en Mayo de 1786.
Comedia. 
Hablaba sobre Fígaro y Susana su prometida. Fígaro era un criado. Todo ocurre en el castillo del Conde, y tenía a su esposa Rosina. 
Marcelina - Ama de llaves  
Bartolo - Médico
Antonio - jardinero. 
Barbarina - hija de Antonio. 
Querubino - paje del Conde estaba enamorado de Barbarina. 

Estaban tomando medidas Susana y Fígaro, y el Conde está molestando a Susana. Fígaro trata de defenderse del Conde. 
Marcelina se quiere casar con Figaro. 
Bartolo era terstigo de que Figaro le había prometido casarse. En medio de una discusion entre Marcelina y Susana, Querubino llega para separarlas pero apoya a Susana. 
Llega el Conde de Sevilla, y Susana hace que Querubino se esconda, después viene alguien más y el Conde se esconde en el mismo lugar que Querubino. Y al enterarse el Conde despide a Querubino. Rosina se da cuenta de la infidelidad de su esposo, y planea con Susana una venganza.
Visten a Querubino de mujer, y Susana y la condesa Rosina cambian de lugar.
Antonio se escontró una carta de amor, pero no sabían ni de quién ni para quién era. 
Descubren que Figaro había mentido, y había prometido casarse con Marcelina y que aun así quería casarse con Susana. Y el conde aprovecha y retrasa la boda. 
Marcelina, le llama a un abogado para que le dijera a Figaro que o le pagaba con dinero o se casaba. Y Figaro le dice que el no puede casarse sin el consentimiento de sus padres, los cuales no sabía donde estaba ya que los habían secuestrado, y Marcelina había perdido a un niño, entonces se dan cuenta que Marcelina era su madre. 
El Conde amenazó a Susana que si no  le seguía, iba a a casar a Marcelina y Figaro a fuerza. 
Susana iba a darle dinero a Figaro para arreglar el asunto con Marcelina, pero lo vio abrazarse con ella y creyó que se habían casado. Pero, Figaro le explica y todo se soluciona y se aclara. 
Susana cita a el conde, para que se vieran en el jardín. 
Querubino citó a Barbarina en el jardín. 
Y la condesa se viste de Susana para atrapar a su conde, y querubino confunde a la condesa con Barbarina y la besa. Figaro ve a la falsa Susana junto con Barbarina. 
El conde golpea a Querubino porque estaba besando a Susana. Todos se empizan a pelear. Y la condesa explica que era una trampa para atrapar las infidelidades del Conde, y finalmente Susana se caso y Querubino con Figaro. 

RINALDO

El cantante virtuoso. En Rinaldo aparecen los famosos "castratos" o "castrattis" 

Handel nació en Alemania. Vivía en Londres, y se fue a Italia para ver a fondo las óperas, y en Londres presentó Rinaldo por primera vez el 24 de febrero de 1711, que en el calendario actual sería aproximadamente un 3 de marzo. 

ARGUMENTO
La obra se ubica 1100 en la primera cruzada, en la toma de Jerusalén. Se encuentra Goffredo quien pide la ayuda de Rinaldo y le ofrece la mano de su hija Almirena. Se va Rinaldo al ejercito, llega el rey militar contrario Argante, hace una tregua de 3 días. Armida le dice que para ganar necesitaba Rinaldo y secuestran a Almirena. 

Goffredo y Rinaldo viajan para recuperarla y buscan un magoque los ayuda y les dicta lo que deben hacer, pero unas sirenas los interceptan en el camino le mienten diciendo que sabía donde estaba, pero ésta era una trampa de Armida. 

Armida intenta hacerse pasar por Almirena, y Rinaldo la desprecia. 

Goffredo busca al mago para hacer bien lo que Rinaldo no logró, y llega con Almirena. 

Argante era complice de Armida, y le dice a la falsa Almirena que la iba a ayudar,  Armida descubre y le repliega su traición.

Goffredo recupera a Almirena y a Rinaldo. Y Armida y Argante se van al lado de los cristianos con ayuda del mago. 

La música comienza a tener propiedades del barroco, es decir adornos, y cada vez melodías más complejas. Y todo es rebuscado. 

El virtuosismo comienza a hacerse notar ante todo, y  la mùsica sigue escribiendose para la palabra pero ahora se le presta más atención a la música. 


Personaje

Rinaldo, héroe militar
Castrato contraltino, de extrema dificultad (alcanza un Mi4)
Actualmente el papel lo representa una contralto o mezzosoprano

Goffredo, Capitán general del ejercito cristiano
Contratenor
En 1731, se rescribe el papel para un tenor

Almirena, hija de Goffredo
Soprano
Con agilidad en el trino

Argante, Rey de Jerusalén
Bajo
En 1731, se rescribe el papel para contraltino

Eustazio, Hermano de Goffredo
Castrato
En 1731, se elimina este papel

Armida, maga reina de Damasco
Sin especificar (que alcance un Do5)
Se requiere potencia y agilidad en el trino

Mago cristiano
Bajo
En la versión posterior a 1731, se supone que lo representaría un castrato

Una mujer
Soprano

Dos sirenas
Sopranos o mezzosopranos

Papeles menores
Dos espíritus
Mudos

Heraldo
Soprano o bajo
Es compatible con una de las sirenas o con el mago cristiano

Varios, como soldados o sirvientes
Mudos